AGUJERONEGRO

Nam June Paik
Conocido como el padre del videoarte, las obras de Paik tienen un cruce con las diferentes técnicas y tendencias de se época donde utiliza técnicas de la yuxtaposición, un juego con el collage, trabajos que giran en torno al pop art y la tendencia del op. Art.

Paik en sus trabajos donde utiliza en la mayoría de obras la tv, nos pone en cuestionamiento acerca de la realidad artificial que esta posee, esto se ve principalmente en las obras donde utiliza el circuito cerrado, contrastando o fusionando estas dos realidades. Para entender las obras de Paik hay que analizar en el tiempo que son realizadas, su situación reflexiva de su momento histórico en donde el artista problematiza el espacio, el tiempo, la historia y la memoria cultural.

En relación con mis proyectos e ideas este artista lo veo como un fuerte referente en mi campo de estudio artístico, ya sea por sus instalaciones o la manera en que le da un giro a los aparatos tecnológicos, muchos de mis proyectos e ideas tienen que ver con sus obras de circuito cerrado, tratar de mostrar en vivo imágenes donde el soporte en este caso el tv me resulta interesante ya que se usa el tiempo y espacio en el presente para comunicar o expresar algo dependiendo el tema a tratar que me interese, escogí este referente porque en mis proyectos yo trato de utilizar la tecnología para tratar de interpretar algún tipo de problema social y utilizo el video porque a mi parecer es el medio que más directo se conecta con nuestra realidad.

TV-Buda
TV Buda es elaborada de manera estratégica y hábil, representa muchos mensajes diferentes, relevantes y recibidos a lo largo de los años. La obra de arte genera preguntas hacia el espectador acerca de las ideologías de los medios de comunicación de masas de la época. La obra de arte de Paik plantea la instilación de un Buda, que es un objeto hecho por el hombre, y lo yuxtapone al lado de la televisión. La televisión representa las tecnologías emergentes y los efectos de la tecnología durante ese tiempo, lo cual es irónico cuando se contrapone con el Buda, que es un símbolo religioso de paz, todo lo contrario al mundo de la tecnología. La instilación de Nam June Paik es una reflexión para representar y codificar mensajes de su sociedad durante ese tiempo.

La instalación de buda mirándose así mismo según el artista representa las preocupaciones de la vanidad en los tiempos contemporáneos, la obra producida en diferentes formas por 20 años muestra que el mensaje que logra transmitir no cambia. Es un mensaje que dura a lo largo de los siglos y que sigue siendo relevante en la sociedad.

“La principal preocupación de Nam June Paik era humanizar la tecnología y los medios, ya que se sentía desconectado de lo que estaba viendo a partir de los efectos de la modernización. Hubo limitaciones en cuanto a cómo Paik podría representar sus ideas de los medios a través de su trabajo, ya que la tecnología en sí misma fue limitada durante este tiempo. (Tate.org.uk, 2015)”

“Quería crear algo fuera de lo común que captara la atención de la audiencia. La integración de la tecnología en una forma de arte todavía es un recordatorio de su intento de mencionar las nuevas formas de arte del siglo moderno. (Searle, 2010)”

Podría decirse que es un artista que trabaja desde la perspectiva social mediática de cómo ve y percibe la evolución de los medios y como esto afecta de forma indirecta a la sociedad, la manera en que plantea sus obras son una fuerte crítica a esa mundo que más nos vemos inmersos y se no hace ya poco probable de pensar si no existiera estos mundo y aparatos tecnológicos.

Peter Halley
En el trabajo de Halley, el color, el contraste, las formas juegan un papel importante al tratar de expresar por medio de sus pinturas una forma de visión de la sociedad y el espacio que lo rodea, el uso de las formas geométricas son un guiño a las espacio de tránsito, la urbe, los espacios arquitectónicos en las grandes ciudades todas conectadas por un red de energía los colores y su semejanza con el minimalismo, son obras por las que el fuerte color hace que se contraste del blanco de la galería e irradien de energía como una especie de luz voltaica y la idea de usar el microchip como reflexión a estos espacios que simbolizan un conector de conocimiento.
Me parece que hasta cierto punto mis intereses se ven atravesados por este artista, la mirada del espacio entendido para mí como una visión concreta de formas que se crean que interconectan con la perspectiva de mi visión, la geometría asimétrica de los espacios arquitectónicos me hace repensar sobre el espacio compuesto por estas líneas y formas y el espacio que los separa que sería el espacio vacío, los huecos que dejan estas formaciones, para mi esta visión acerca del espacio vacío, podría ser como un reflexión acerca de lo que entendemos como arquitectura, formas que a pesar de que no se ven son construidas con el imaginario entre formas ya existentes, esas formas son las que me atraen, la relación que tiene con lo no habitado, con lo precario hasta cierto punto lo veo como una manera de utilizarlo como ciertas bases en mis proyectos acerca de la abstracción geométrica formal.

EMERALD CITY, K11 Art Foundation, Hong Kong

AU-DESSOUS / AU-DESSUS, Galerie Xippas, Paris

Greene Naftali, NYC

Erwin Schrodinger

Para entender la paradoja de Schrodinger, es necesario tener en cuenta ciertas cosas del mundo subatómico, para empezar, sintetizare lo más posible el entendimiento cuántico para que sea más comprensible y tratar a lo que quiero llegar con su experimento mental.

En el mundo subatómico, donde la comprensión de la relatividad no tiene ningún sentido absoluto, es donde suceden las cosas más extrañas que los científicos hasta el día de hoy tratan de comprender. En este mundo cuántico las leyes de la física como la conocemos no concuerdan.
Para este experimento mental Schrodinger afirma que las partículas o átomos cambian dependiendo el observador, en este caso una partícula puede permanecer en un sitio y a su vez no, ¿Cómo es esto posible?, pues bien la paradoja consiste en meter a un gato a una caja, dentro de la caja hay un frasco de vidrio con veneno, un detector de átomos.

El experimento comienza a funcionar cuando una maquina al azar dispare átomos en dirección al detector de átomos, si un átomo llegase a hacer contacto con el detector un mecanismo se activa y hace quebrar el frasco de vidrio y por lo tanto el gato morirá y todo esto sin que la caja sea abierta, ahora la persona tendrá que determinar sin abrir la caja, si el gato está vivo o muerto. Este ejercicio mental pone en cuestionamiento y en duda saber si el gato sigue vivo o muerto ya que la máquina de azar tiene un 50% de probabilidad que si detecte y otro 50% que no. Por lo tanto para nuestra comprensión y percepción, las partículas del gato o el gato en sí estaría en un estado de superposición, estaría muerto y a su vez vivo, existe 50% de probabilidad que el gato viva y 50% de que este muerto y todo esto mientras la caja no sea abierta. Una vez la caja sea abierta por la persona se sabrá si el gato vivió o murió, y los átomos regresarían a su estado natural.

La relación que hago con esta teoría o paradoja con mis intereses artísticos es de complejizar y cuestionar la obra artística y su funcionamiento en donde se es exhibida, ya como lo hizo Schrodinger con su experimento demostrar que existe ese entrelazamiento entre partículas donde pueden existir en dos supuestas realidades, así mismo utilizaría su experimento para realizar ciertas ideas acerca del entendimiento de la obra en dos podría decirse exposiciones diferentes o lugares distintos, mi pregunta a través de esta idea es acerca de entender ¿que hace que una obra sea una obra entendida como artística y no como un objeto cualquiera? Esta pregunta surge por diferentes visiones que tengo acerca del arte contemporáneo específicamente de objetos encontrados expuestos como una pieza de arte.